Anna & the Jester dans La Fenêtre d’Opportunité

Vernissage le 18 septembre à 19h

La série Protocinema Emerging Curator présente Julie Béna, “Anna & the Jester  dans La Fenêtre d’Opportunité”, une exposition individuelle de Julie Béna, organisée par Annelie J. Graf . L’exposition s’articule autour du film « Anna & the Jester  dans La Fenêtre d’Opportunité», qui explore et critique le concept de transparence sous la forme d’un conte architectural. Le film comprend des éléments spécifiques au site, reprenant des idées de lucidité, de visibilité et de visibilité dans la société actuelle, à Istanbul et à l’étranger.
Les nouvelles œuvres de Julie Béna abordent des aspects fondamentaux de la transparence et explorent le concept de manière ludique et authentique. Alors que la transparence a longtemps été considérée comme un développement positif vers une société plus ouverte et accessible, la transparence s’est également transformée en une idéologie dont la pratique est actuellement réprimée. Ici, l’expérience physique est mise en avant, étant donné que cet espace d’exposition se trouve dans une oasis fortement protégée, au centre d’Istanbul, avec ses propres mécanismes de contrôle.

La série Protocinema Emerging Curator a été lancée en 2015, pour que des jeunes commissaires sélectionnés travaillent aux côtés de mentors/parrains pour la réalisation d’expositions. Grâce aux aux conseils de professionnels expérimentés, les jeunes commissaires acquièrent de précieuses informations sur la profession et développent leur propre voix. En fournissant aux commissaires et aux artistes en début de carrière les outils dont ils ont besoin pour se développer, Protocinema veille à ce que la prochaine génération soit en mesure de contribuer aux échanges essentiels des régions.

Julie Béna, née en 1982, diplômé de la Villa Arson à Nice, vit et travaille entre Paris et Prague. En 2019, Béna a présenté des expositions individuelles au Jeu de Paume à Paris, au musée CAPC à Bordeaux et au musée Amparo à Puebla, au Mexique. Son travail a récemment été exposé à la Biennale de Rennes (FR); Galerie Polansky (CZ); 1646 (NL); C art C Madrid (ES); Bozar (BE) et Chapitre NY (US). Au cours des dernières années, Béna a mis en scène des performances au Centre Pompidou (FR); ICA London (GB); M. Louvain (BE); Palais de Tokyo (FR) et Performa NY (États-Unis). Julie Béna est représentée par la Galerie Joseph Tang, Paris, et la Galerie Polansky, Prague.

Annelie J. Graf est une programmatrice et commissaire artistique basée à Bâle. Depuis 2016, elle co-programme et gère le programme Conversations d’Art Basel pour ses spectacles à Bâle et à Miami Beach, aux côtés de Mari Spirito, fondatrice et directrice exécutive de Protocinema, Hans Ulrich Obrist, directeur artistique des Serpentine Galleries London, l’artiste Julieta Aranda et l’écrivain Edward Winkleman, entre autres. En tant que proche collaborateur de l’artiste Marcel Zaes, elle a conceptualisé et réalisé respectivement deux productions de grande envergure au BONE Performance Art Festival Bern (2016) et au Cabaret Voltaire Zurich (2019). En octobre 2019, elle rejoindra le studio de Trevor Paglen à Berlin en tant que directeur de studio.

Evénement : “Performing Art”, Noé Soulier

Arter présente, dans le cadre de son programme de performances, « Performing Art », une pièce du danseur et chorégraphe français Noé Soulier.

Né en 1987 à Paris, formé au Centre National Supérieur de Musique et de Danse et à PARTS (Bruxelles), Noé Soulier a intensément exploré les gestes selon une perspective chorégraphique, et dansé dans différents milieux. Avec des performances qui prennent souvent la forme d’installations, Noé Soulier veut créer un dialogue entre danse, performance d’art et art contemporain. De ce fait, il aime présenter ses performances au sein d’institutions et de musées d’art contemporain.

« Performing Art » a été conçu par Noé Soulier comme une exposition chorégraphiée pendant laquelle des œuvres d’art d’une collection sont installées par des spécialistes d’art et présentés dans une salle de théâtre, devant un public assis. Pour sa présentation à Arter, Noé Soulier va sélectionner quelques œuvres de la collection d’art contemporain d’Arter et va construire autour d’elles une nouvelle chorégraphie, en collaboration avec 6 spécialistes locaux qui deviendront des performeurs.

Exposition : offroad, v.2, Céleste Boursier-Mougenot

A l’occasion de l’ouverture de son nouveau bâtiment, Arter ouvrira son espace Blackbox au public avec “offroad, v.2”, une installation sonore avec trois grands pianos se mouvant autour de l’espace physique dont ils disposent, montrant une relation inattendue entre objets et espace. Cette nouvelle version de ce spectacle qui a déjà été présenté à « Les Abattoirs de Toulouse » en 2014 se fondra dans l’architecture de l’espace Arter.

Née en 1961 à Nice, Céleste Boursier-Mougenot est une artiste contemporaine française, pluridisciplinaire, qui a commencé sa carrière comme musicienne et compositrice et a travaillé en étroite collaboration avec le chorégraphe et directeur artistique Pascal Rambert, avant de commencer sa carrière solo.

Travaillant avec le son et intéressée par la conversion de la manière traditionnelle de produire du son, Céleste Boursier-Mougenot créé des installations sonores qui impliquent souvent l’animation d’objets ou d’être vivant non-humain ; questionnant ainsi les agencements impliqués dans le processus de création sonore.

A l’origine de nombreux spectacles présentés dans le monde entier, donc les spectacles en solitaire à PS1 (New York), au Palais de Tokyo (Paris), au SFMOMA (San Francisco) et plus récemment à HAB (Nantes), Céleste Boursier-Mougenot a représenté la France au Pavillon français pendant la 56e biennale de Venise avec son travail « Révolutions » mettant en scène des arbres en mouvement.

Exposition : « Méga Istanbul »
Yoann Morvan, Sinan Logie

Avec la contribution de :
Emrah Altınok
Nicolas Brodard
Murat Germen
Sébastien Mazauric
Et Serkan Taycan

L’architecte Sinan Logie et l’anthropologue Yoann Morvan vous présentent « Méga Istanbul » , une exposition photographique qui se veut preuve de la croissance urbaine fulgurante et démesurée d’Istanbul.

À travers les âges, Byzance, Constantinople puis Istanbul se sont perpétuellement redéfinies dans une lutte incessante entre conquêtes, intrigues politiques et religieuses, tremblements de terre et incendies, jusqu’aux ambitions récentes de bâtir « Istanbul 2023 ».

Ce palimpseste de multiples strates d’urbanisation de l’ancienne capitale de l’empire ottoman est aujourd’hui recouvert par la mégapole de seize millions d’habitants. La croissance urbaine a été fulgurante au cours des dernières décennies, bafouant bien souvent son environnement. Cela est particulièrement perceptible sur les franges de l’agglomération, assez méconnues, qui pourtant révèlent l’intensité et l’étendue des recompositions et des inégalités à l’œuvre.

Les arpenter à pied permet de prendre la mesure de… la démesure de Méga Istanbul. Du nord d’Eyüp à Dilovası, en passant par le port de Silivri ou les hauteurs de Sultanbeyli, ces traversées en lisières urbaines, hors des sentiers battus et des clichés, permettent d’esquisser une radioscopie de cette fantasmagorie urbaine en cours d’(in-)achèvement.

Sinan Logie est architecte et artiste plasticien. Diplômé de la Faculté d’architecture La Cambre-Horta / Université libre de Bruxelles (ULB), il enseigne à Bilgi University (Istanbul) et est membre fondateur du Centre de Justice Spatiale (Mekanda adalet derneği, institut indépendant de recherche urbaine, ONG défendant la justice spatiale).

Yoann Morvan est anthropologue (CNRS), basé à l’Institut d’ethnologie méditerranéenne, européenne et comparative (Idemec, Aix Marseille Univ.). Infatigable marcheur urbain, il arpente Istanbul depuis 2009.

Exposition : « EKO-ÉCHO İstanbul-Paris : Villes, Sons et Histoire »

Cette exposition propose aux visiteurs d’explorer les univers sonores d’Istanbul et de Paris, dans leur diversité, leurs ressemblances et leurs singularités. A travers une série d’expériences sonores à 360°, elle donne à entendre un dialogue sensoriel entre ces deux villes, qui tresse les ambiances, les bruits et les paroles, recueillies dans les deux langues, auprès des Turcs et des Français vivant à Istanbul et à Paris.
Pour vivre ces expériences, les visiteurs sont invités à déambuler dans différents espaces sonores de la galerie. Au fil d’un parcours en trois étapes, ils découvrent d’abord les sons communs à Istanbul et à Paris, puis les sons spécifiques à chacune des deux villes, et enfin, les souvenirs qui leur sont liés, à travers une installation interactive.

Réalisée avec le soutien de l’Institut français, l’exposition s’inscrit dans la tradition des échanges culturels qui unissent, depuis le XVIe siècle, la Turquie et la France. Elle permet aux visiteurs de prendre conscience de la richesse du patrimoine sonore urbain et de l’importance des mémoires orales. Après Istanbul, il est envisagé de présenter cette exposition à Paris au cours de l’année 2020.

L’exposition a été conçue par Pınar Yelmi, professeure assistante au département de design en communication visuelle de l’université Işık, Charlotte Roux, réalisatrice à Radio France, Sertaç Kakı, professeur associé au département de technologie musicale à İTÜ, l’éditeur Antoine Auger et la documentariste sonore Anne Kropotkine.

Pınar Yelmi; Antoine Auger, Anne Kropotkine, Sertaç Kaki, Charlotte Roux. 

La 16e biennale d’Istanbul, organisée par la Fondation d’Istanbul pour la Culture et les Arts (IKSV), aura lieu du 14 septembre au 10 novembre 2019. L’historien, conservateur et universitaire Nicolas Bourriaud est le commissaire de cette 16e édition, qui a pour titre « Le septième continent » et qui se déroulera sur trois lieux : à Tersane Istanbul, au Musée de Pera et sur l’île de Büyükada.

L’un des effets les plus visibles de cette nouvelle ère, caractérisé par l’impact des activités humaines sur la planète, est ce qui est communément appelé le « septième continent » : l’équivalent d’un tiers de la surface des Etats-Unis, complètement inhabité, a été découvert dans le Pacifique de nord en 1997 par l’océanographe américain Charles Moore. Il s’agit d’un vortex dans l’océan couvrant une surface de 3,4 millions de kilomètres carrés, composé de 7 tonnes de déchets en plastique flottants.

Nicolas Bourriaud, né en 1965, est un conservateur et auteur. Il est le directeur de Montpellier Contemporain (MoCo), une institution qu’il a créé, réunissant le centre d’art La Panacée, l’École Supérieure des Beaux-Arts et le Musée MoCo, qui ouvrira ses portes en juin 2019. Il a été le directeur de l’Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris de 2011 à 2015. De 2010 à 2011, il a dirigé le département des études du Ministère de la Culture en France. Il a été conservateur pour l’art contemporain au musée Tate Britain à Londres de 2007 à 2010 et fondateur et conseiller pour la fondation Victor Pinchuk à Kiev. Il a aussi fondé et co-dirigé le Palais de Tokyo, à Paris, de 1999 à 2006.

Les membres du conseil international de la biennale d’Istanbul 2019 sont Iwona Blazwick, directrice de la gallerie Whitechapel à Londres ; Ayşe Erek, directrice du Design Research Graduate Programme à Kadir Has University, Istanbul ; Yuko Hasegawa, conservateur en chef au Musée d’Art contemporain de Tokyo et Agustín Pérez Rubio, conservateur indépendant, ancien directeur artistique du Musée des arts latino-américains de Buenos Aires.

Lieux :

Exposition : « La saga de Zora »
Entrée libre.

La vision d’un enfant saisie au travers de promenades entre simit et chocolat, ou Istanbul et Bruxelles, ses mères patries. Sa vraie mère, on l’entend rigoler lorsqu’elle arrête le temps pour capturer ce que ses enfants ont de plus décalé. Et c’est pourtant le même monde que nous contemplons…

Zora traverse les cultures plus facilement que nous, sans s’en apercevoir, et s’arme de loups et de princesses pour conquérir glaces et robes, en attendant son prince Baba.
C’est un genre d’ode au quotidien, à l’expatriation, à la famille qui révèle tout le pouvoir qu’ont les enfants sur leurs parents, de la ruse à la poésie.

Christine Duquenne est Belge et diplômée en langues et littératures romanes. Si cette passionnée de bandes dessinées a d’abord enseigné le français à Bruxelles pendant plusieurs années, elle s’est aussi consacrée à l’étude du dessin en parallèle de sa profession. En 2007, elle s’installe à Istanbul où elle continue d’enseigner. En 2017, c’est aussi dans cette ville à la croisée de deux continents qu’elle crée la Saga de Zora dont elle est l’auteure et l’illustratrice. Depuis 2018, les aventures de Zora paraissent dans le mensuel francophone « Aujourd’hui la Turquie ».

« Ces dessins sont une chronique de situations drôles et de réflexions cocasses et légèrement décalées vécues ou entendues au quotidien. La dimension interculturelle faisant partie de la vie de ma famille, elle s’y retrouve tout naturellement. Rassemblés sur un blogt par facilité, les épisodes de ‘la Saga de Zora’ sont d’abord destinés à donner quelques nouvelles à ma famille ainsi qu’à mes amis. Je cherchais un moyen de garder le contact avec mes proches qui sont restés en Belgique et de leur permettre de connaître — un peu — mes enfants, et ce malgré la distance physique et parfois culturelle. Alors que l’on croule sous les photos numériques, ce moyen d’expression me permettait de donner des nouvelles différemment et en me focalisant tout simplement sur le quotidien. ‘La Saga de Zora’ fut aussi pour moi un moyen d’oublier l’actualité – particulièrement politique – que je ne voulais plus évoquer… J’ai donc commencé à noter toutes les réflexions qui me faisaient sourire, puis à dessiner ici et là, et à remplir mes carnets de croquis. ‘La Saga de Zora’ est un mélange malicieux de tout ceci. » – Christine Duquenne

Instagram : @krikiicd

Cette activité est organisée dans le cadre de la Journée festive qui aura lieu à l’Institut français à Istanbul le 15 juin, de 11h00 à 17h30.

Retrouvez le programme complet de la Journée festive :

11h00 : « Le rendez-vous des petits loukoums »
Serra lira des contes et des comptines avec la participation de son jeune public qui sera invité à chanter avec elle. Venez partager un moment privilégié avec vos enfants !
11h00 > 17h30 : Exposition « La saga de Zora »
Venez découvrir et même acquérir les illustrations présentées à l’occasion de l’exposition « La saga de Zora » en présence de l’illustratrice Christine Duquenne !
12h00 : Spectacle de marionnettes « Justine et Sébastien »
Retrouvez à la médiathèque nos héros Justine et Sébastien pour le dernier épisode de leurs aventures !
14h00 > 17h30 : Braderie en présence de DJ Jimmy Future
La médiathèque vous propose à prix cassés des livres, BDs, CDs et même des affiches de films ! Toute l’après-midi, vous pourrez profiter de cette grande braderie au son du DJ Jimmy Future.
15h00 : « L’heure du conte »
Un moment privilégié avec Mathilde qui transportera les enfants dans le monde merveilleux des contes et des histoires magiques.
16h00 : Spectacle « Jonglerie champêtre »
Jongleur, auteur, soliste, Vincent de Lavenère vient spécialement de France pour nous présenter son spectacle « Jonglerie champêtre » et nous entraîner dans l’univers du chant jonglé.

Exposition : « Mère, mères » – Lâm Duc Hiên

Vernissage : 09 mai 2019 – 19:15
Exposition du 10 mai au 25 août 2019

« Le Mékong est la mère des fleuves », dit celui qui est né sur ses rives avant de connaître l’exil, les camps de réfugiés, un pays d’adoption – la France – et de se construire une identité dans les plis et replis de l’exil. Le sien d’abord, puis celui des autres, qu’il photographie sur tous les continents, étant entendu que l’exil n’est pas seulement une affaire de géographies, et parle avant tout d’exclusion, qu’elle soit politique, sociale, économique mais aussi linguistique – ainsi peut-on se retrouver étranger dans son propre pays. C’est ce dont témoigne principalement le travail photographique de Lâm Duc Hiên, « franco-laotien », puisque c’est ainsi qu’il se présente, rejoignant peut-être Cioran dans l’idée selon laquelle « On n’habite pas un pays, on habite une langue ».

Lâm Duc Hiên saisit sans jamais les voler les visages, les corps, les mouvements de ces « sans toit », « sans argent », « sans bien », « sans pays », « sans sécurité », « sans voix », et nous les présente au contraire riches de leurs existences et acteurs de leurs trajectoires, dans des contextes où le fait de continuer à vivre constitue en soi un acte de résistance.
Ces visages parchemins nous posent la question. Ces corps palimpsestes nous racontent une histoire. Ces mouvements saisis offrent aux silhouettes un peu d’éternité.

Lâm Duc Hiên photographie à hauteur d’Humain, principalement à hauteur de femmes et d’enfants, de mères aussi, souvent. Ce qu’il saisit dans ses portraits, c’est ce que peu de gens parviennent ne serait-ce qu’à voir, et oublient trop souvent : il n’existe d’échelle au monde que celle de l’individu, et c’est lui seul qui intéresse Lâm Duc Hiên, loin de tout misérabilisme.

Le travail de Lâm Duc Hiên est de ceux qui éveillent, qui nous réveillent, nous rappelant que tout regard est politique, et qu’il ne tient qu’à nous d’ouvrir les yeux. « Photographe de la nécessité », chacune de ses photos nourrit un dialogue avec celles et ceux que l’on n’entend jamais, trop occupés à vivre dans des contextes qui se résument souvent pour nous à une bande son à la radio, à des images défilant sous nos yeux blasés. On ne revient pas coupable de ce voyage dans l’œil de Lâm Duc Hiên. On en revient conscient.

-Ingrid Thobois

Lâm Duc Hiên :
Photographe franco-laotien, membre de l’agence VU de 1995 à 2002 et depuis 2017, il vit et travaille entre la France et la République Tchèque. Né en 1966 sur les rives du Mékong au Laos, Lâm Duc Hiên suit sa famille en exil après la victoire du Pathet-Lao : traversée de nuit du Mékong pour la Thaïlande, deux dures années de camp de réfugiés, deux évasions, avant d’arriver en France en 1977. Hiên Lâm Duc développe alors un travail photographique engagé à travers le monde aussi bien dans ses projets personnels qu’en commande pour la presse ou pour les ONG. Il témoigne des conséquences des conflits majeurs de la fin du XXe et du début du XXIe sur les populations civiles. Il documente également l’influence des évolutions du monde contemporain sur la vie le long des fleuves Mékong et Niger. Régulièrement publié dans la presse, son travail fait également l’objet de livres et d’expositions. Lauréat, entre autres distinctions, du Prix Leica, du Grand Prix Européen de la Ville de Vevey, de la Bourse Villa Médicis hors les murs, ou encore de la Bourse de la fondation Jean-Luc Lagardère, Hiên Lâm Duc a vu ses portraits « Gens d’Irak » récompensés du prestigieux Word Press Photo.

Inscription obligatoire pour assister au vernissage.

Expostion : « Fragments de rose en hologramme »

Exposition collective

Le nom de l’exposition est utilisé avec la gracieuse autorisation de William Gibson, auteur du roman Neuromancien.
Artistes : Chim↑Pom, Cari Gonzalez-Casanova, Erol Eskici, Luz Blanco, Nuri Sergen Shehioltoglu, Berkay Tuncay, Eric Arlix, Ludovic Bernhardt.
Curateurs : Ludovic Bernhardt et Luz Blanco / (Global)*Z

La nouvelle Fragments de rose en hologramme écrite en 1977 par William Gibson, est le point de départ de cette exposition qui réunit huit artistes de différentes nationalités. Nous remercions William Gibson, auteur du célèbre roman cyberpunk Neuromancien et inventeur du terme cyberespace, d’avoir accepté que nous utilisions le titre de sa nouvelle pour cette exposition, qui, au travers de chaque artiste, porte un regard personnel sur ce récit disloqué où des hallucinations poétiques contaminent les réseaux de communication.
Dans ce court roman se superposent désordres politiques et narratifs constitués d’images, de fragments kaléidoscopiques, le tout participant à une perturbation générale où la réalité côtoie le simulacre.

Cette exposition met en relation des œuvres contemporaines qui, par analogie avec la littérature de William Gibson, nous immergent dans une relectures du monde de l’information globalisée.
Les artistes turcs, français, japonais et nord américains, se positionnent face à un monde-machine où images, communications et récits s’entrelacent de manière permanente, modifiant notre appréhension de la réalité. Ils dialoguent librement avec la complexité du texte et ses nombreux fragments narratifs saisissants très proches du « cut-up », processus avant-gardiste expérimenté par Brion Gysin et William Burroughs au cours des années soixante.
Les œuvres exposées se veulent à la fois narratives et visuelles : elles explorent des fragments littéraires qui, mis côte à côte, développent un type de récit à ré-articuler, le texte venant parfois concurrencer l’image.

L’exposition documente une certaine énergie véhiculée par des œuvres hétérogènes qui reflètent, non seulement notre culture et notre société, mais également des relations critiques avec notre présent résolument inscrit dans l’espace « Gibsonien ».

Les artistes :

Chim↑Pom, artistes japonais très actifs dans la scène artistique de Tokyo, présentent une vidéo comme captation brutale et prosaïque de la destruction d’une sculpture académique antique à coups de casque de moto.
Cari Gonzalez-Casanova, artiste nord américaine, par ses recherches et interrogations politiques, voire utopiques, élabore une réflexion sur la notion de camouflage dans le domaine de la stratégie et de la contre-culture ;
Berkay Tuncay, artiste turc, propose une série de poèmes qui articulent certains mots et concepts répétitifs tirés de vidéos de relaxation, proche d’un esprit techno-électronique.
Erol Eskici, artiste turc vivant à Cologne, présente une oeuvre à l’encre, support concentrique, qui tel un diagramme méditatif, nous invites à entrer en résonance directe avec le titre de l’exposition «fragment d’une rose en hologramme».
Nuri Sergen Şehi̇toğlu, artiste turc vivant à Istanbul, construit son oeuvre à partir des sites géographiques précis qui jalonnent le récit de W.Gibson, en relevant leur aspect kaléidoscopique et numérique, tel une sorte de labyrinthe digital.
Éric Arlix, artiste, mais aussi écrivain et éditeur français, expérimente la matière même du texte en le décomposant graphiquement à la manière d’un « caviardage » littéraire.
Luz Blanco, artiste franco-espagnole, dont les oeuvres présentées sont guidées par le concept cybernétique de Soft Error, explore graphiquement des fragmentations d’images et de mémoires en résonance avec les éclatements narratifs de la nouvelle.
Ludovic Bernhardt, artiste et écrivain français, présente une installation ou se côtoient une galeries d’images et de schémas cartographiques qui interrogent l’ aspect éclaté des territoires mondiaux.

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L’exposition sera présentée à la galerie Sanatorium, à Istanbul, du 24 mai au 30 juin 2019.

Photo : Natural shadow slabs, by Cari Gonzalez-Casanova. Curtesy of mfc-michele didier

Spectacle : « Jonglerie champêtre »

Ce spectacle aura lieu dans le cadre de la Journée festive organisée à l’Institut français à Istanbul le 15 juin de 11h00 à 17h30.

« Jonglerie champêtre », petite forme de jonglerie musicale initialement pour jardin, nous entraîne dans l’univers du « chant jonglé ».

Sur le fil d’une voix accompagnée d’une citole, d’un gant de chistera et d’une multitude de balles sonores, Vincent de Lavenère, ce jongleur hors norme, d’une virtuosité déconcertante, nous propulse dans son univers de constellation aux rythmes entraînants, poétiques et fantaisistes.

Jongleur atypique, il propose une conception innovante à la jonglerie, où feu d’artifice de balles, de voix, de chant d’oiseaux, et de sonorités montagnardes donnent vie à une danse aérienne savamment orchestrée : une pure ballade poétique pour enchanter nos sens.

« La Jonglerie que j’aime pratiquer, prend sens dans cette écriture visuelle, souvent virtuose, mais pas seulement. Elle s’appuie aussi et surtout sur une musicalité initiée par le jonglage dont le souffle, la voix, le tempo sont les maîtres mots. »

Spectacle de et par Vincent de Lavenère, jongleur, auteur, soliste.

Ce spectacle est organisé en partenariat avec le Lycée français Notre-Dame de Sion.

Entrée libre. Spectacle gratuit.